Dieses Buch basiert auf einer Fernsehserie, die hier auf YouTube zu sehen ist: http://www.youtube.com/watch?v=LnfB-p...

Dies ist eine wirklich bemerkenswerte Serie und ein bemerkenswertes, wenn auch nerviges Buch. Das Buch ist ärgerlich, weil es ein Kaffeetischbuch mit großen Farbfotos und großer Schrift sein sollte - stattdessen ist es ein Pinguin-Taschenbuch mit einer Schrift, die zu den unlesbaren und grauen Reproduktionen der Gemälde tendiert, die es fast unmöglich machen, sie anzusehen. Das ist qualvoll, denn wirklich alles, was Sie tun möchten, ist, diese Bilder stundenlang zu studieren und darüber nachzudenken.

Es gibt etwas, das wir irgendwie wissen, auch wenn ich vermute, dass wir in unserer Intuition völlig falsch liegen. Wir haben uns als Menschen viel länger Bilder angesehen als Bücher. Für die überwiegende Mehrheit von uns ist Alphabetisierung eine beunruhigend neue Erfindung - vielleicht hundert, vielleicht hundertfünfzig Jahre für Menschen in der ersten Welt. Kirchen erzählten ihre biblischen Geschichten sowohl in Bildern als auch in Worten. Auch hier wurden die Wörter lange Zeit in einer Sprache gesprochen, die von den Zuhörern nicht verstanden wurde. Das Erlernen des Lesens von Bildern, etwas, von dem so viele von uns annehmen, dass es nicht etwas ist, das wir lernen müssen, sondern das irgendwie unmittelbar ist, eine ganze Kultur erfordert und vielleicht auch so lange dauert, bis man das Lesen lernt. Um zu verstehen, wie Bilder auf uns wirken - wie wir von ihnen manipuliert werden -, dauert es mindestens so lange, bis wir die gleichen Dinge darüber lernen, wie Wörter auf uns wirken und uns manipulieren.

Auf einer Ebene ist dieses Buch also eine Erforschung der Geschichte der Ölmalerei und was solche Gemälde für uns bedeuten - im Vergleich zu dem, was sie für frühere Generationen von Menschen in westlichen Gesellschaften bedeuteten. Weil die westliche Tradition der Malerei eine ganz andere Sache ist als jede andere "Weltkunst" -Tradition.

Er beginnt damit, dass Bilder sowohl still als auch still sind. Dies ist eine interessante Sache zu sagen, denn wie wir Gemälde heute allgemein erleben - oder zumindest etwas darüber lernen -, geschieht durch Shows wie Schwester Wendys World Tour of Art oder Simon Schamas Power of Art. Versteh mich hier keine Sekunde falsch - ich habe beide geliebt. Aber die ausgestellten Kunstwerke sind alles andere als still oder still. Es gibt eine Sprachspur und ein Schwenken und Vergrößern, die diese stillen und stillen Werke in etwas verwandeln, das sich einem Cartoon nähert. Ich hatte noch nie über die Auswirkungen nachgedacht. Das Gemälde hört auf, das zu sein, was es ist, kann tatsächlich nicht bleiben, was es auf dem Bildschirm ist, es hört auf, ein Objekt zu sein, das der Künstler geschaffen hat, um für sich selbst zu sprechen, und verlangt nun, dass jemand zwischen ihm und uns vermittelt, um entweder zu sprechen darüber (erkläre es) oder zu orchestrieren (im wahrsten Sinne des Wortes mit Musik), damit uns die richtige Art und Weise beigebracht wird, dieses Gemälde zu lesen.

Ich habe viel darüber nachgedacht, wie wir Bilder und Bilder "lesen", insbesondere nachdem ich ein Buch mit dem Titel "Bilder lesen" gelesen habe: die Grammatik des visuellen Designs. Es ist interessant, dass in diesem Buch klar ist, dass die sprachliche Grammatik verwendet wurde, um unsere Reaktion auf die Grammatik von Bildern zu strukturieren - ziemlich effektiv, denke ich -, aber dies ist fast kontraintuitiv. Wenn wir eine unmittelbarere Beziehung zu Bildern hatten als zu geschriebenem Text, warum müssen wir dann die mit geschriebenen Texten verbundenen Organisationsprinzipien anwenden, um Bilder zu verstehen? Warum funktioniert das nicht umgekehrt? Ich weiß zum Teil, dass dies daran liegt, dass die Sprache formal kodifiziert wurde, aber dies wirft erneut die Frage auf, warum Bilder einer solchen Kodifizierung so widerstehen. Warum wäre es dumm zu erklären, was ein Verb ist, wenn man sich auf Mona Lisas Augenbrauen bezieht?

Die Beziehung zwischen Nacktheit (ohne Kleidung) und Nacktheit wird hier in einer meiner Meinung nach feministischen Kunstkritik dargestellt. Ein Akt ist nicht nur jemand ohne Kleidung - er ist fast immer eine Frau und sie ist auch ausgestellt, ein Objekt. In vielerlei Hinsicht ist sie nicht wirklich die Protagonistin des Gemäldes, selbst wenn sie die einzige Person im Bild ist - die andere Person, die immer anwesend ist, ist der anonyme männliche Betrachter, dem sie ausgestellt ist. Er zeigt Bild für Bild von nackten Frauen, und selbst wenn sie umarmt werden, wenden sie sich dem Betrachter zu, ihrem wahren Liebhaber, ihrem Fantasieliebhaber, denn sie sind nicht nur der Bildschirm, auf den wir unsere Lust projizieren, sondern auch der Grund für unsere Schwächen - sie sind am Ende zu begehren und zu beschuldigen. Kein Wunder, dass sie immer passiv und träge sind. Wie konnten sie nicht erschöpft aussehen, nachdem sie die gesamte männliche Menschheit korrumpiert hatten?

Und genau darum geht es - erst heute kann ein Gemälde von so vielen Menschen gesehen werden. Sie sollten nur von den wenigen gesehen werden. Heute sind Gemälde so ziemlich das, was Platon über sie gesagt hat, Darstellungen von Darstellungen - aber als solche sind sie eine Demonstration dafür, wie reich der Besitzer wirklich war. Gemälde zeigten den Reichtum ihrer Besitzer - und das war ein großer Teil dessen, was ihr Zweck gewesen war. Hier bin ich, und hier ist die Frau, und wir stehen vor unserem Haus, dies ist unser Schlafzimmer, dies sind die Orangen, die wir aus Spanien eingeschifft haben, dies ist unsere Kuh und trotz des Sonnenuntergangs im Spätsommer sind dies unsere Pelze.

Das letzte Programm der Reihe befasst sich mit Werbung und wie sie die Sprache der Malerei verwendet und verzerrt. Dies ist der letzte Atemzug einer 500 Jahre alten Tradition. In der Ölmalerei betrachten wir den gegenwärtigen Reichtum der Besitzer - diese Gemälde haben ein Jetzt - so sehe ich jetzt aus, so besitze ich jetzt - die Tatsache, dass es in Bildern immer „dann“ ist ist etwas, dessen sich jeder bewusst geworden ist, jetzt haben wir Kameras und etwas, das Barthes in seiner Kamera Lucida wunderbar erklärt. Die Zeit bleibt im Bild stehen, und als solche sind alle Bilder Bilder des Todes. Das Leben marschiert sofort von ihnen weg und hinterlässt sie als reine Erinnerung. Bei Gemälden geht es also immer um die Gegenwart und damit auch unmittelbar um die Vergangenheit - die Gegenwart ist nur die Vergangenheit im Warten.

Bei Marketingbildern geht es jedoch immer um die Zukunft, niemals um die Gegenwart. Etwas zu verkaufen bedeutet, ein Verlangen zu erzeugen, und dieses Verlangen ist nicht hier und jetzt, es ist irgendwann bald. In vielerlei Hinsicht verkauft Werbung keine Produkte - sie verkauft Neid und Begierde. Wie er betont, sind die reichen Leute in Ölgemälden nicht glamourös - Glamour ist nebensächlich. Um glamourös zu sein, muss der Betrachter die Personen emulieren wollen, die er auf den Bildern sieht - aber die Personen, die Bilder besitzen, sehen sich selbst -, sodass kein Bedarf an Glamour besteht. Um ein Produkt zu verkaufen, muss man eine Fantasie verkaufen und diese Fantasie muss nur unerreichbar sein, aber erreichbar sein, obwohl ein Austausch nicht wirklich Teil des Bildes ist, ein Austausch von Geld gegen ein Gut, aber dieser Austausch ist der Punkt des Bildes. Dass der Kapitalismus solch ständigen Austausch braucht und dass Werbung die Wünsche schafft, die diesen Austausch befeuern, ist das offene Geheimnis unserer Gesellschaft. Trotzdem hatte ich noch nie über die Beziehung zur Zeit nachgedacht, die dadurch entsteht - wie wir, um wirtschaftlich gültige Einheiten zu sein, ständig in einer Fantasy-Zukunft leben müssen und gleichzeitig bereit sind, uns mit fast jeder Langeweile in unserer Zeit abzufinden allzu prosaisch vorhanden. Kein Wunder, dass Werbung jetzt nicht mehr interessiert ist, es muss sein - sie muss jetzt negieren, was kommen wird.

Das Buch unterscheidet auch zwischen der Werbung für die Arbeiterklasse (die versprochene Transformation basiert auf Aschenputtel) und der Mittelklasse (die versprochene Transformation basiert auf The Enchanted Palace) - für die Arbeiterklasse wird der Kauf dieses einen Produkts ausreichen Sie in die Prinzessin zu verwandeln, denn die Mittelklasse, die in diese Bank investiert, bringt Ihnen all die guten Dinge im Leben, die notwendigerweise ein Ensemble sind.

In diesem winzigen Buch und dieser kurzen Reihe von Filmen gibt es so viel zu denken. Ich schaue mir solche Shows an und denke, stellen Sie sich vor, was Fernsehen hätte sein können - aber natürlich hätte es niemals so etwas sein können. Dies ist die Ausnahme, die die Regel bestätigt. Um zu sehen, was Fernsehen niemals hätte sein dürfen, schauen Sie sich das an und lesen Sie dann wieder Bücher.

Ich bin nicht das Publikum für dieses Buch, hauptsächlich weil ich die Handvoll Essays und Ideen, auf denen es basiert, bereits gelesen und mehr oder weniger verdaut habe. Die sieben Kapitel gliedern sich ziemlich einfach.

1: Benjamins 'Kunstwerk' - die Fähigkeit, Bilder zu reproduzieren, verändert die Art und Weise, wie wir Kunstwerken begegnen. Das scheint vernünftig. Niemand kann einen Giotto sehen, ohne vorher eine Reproduktion gesehen zu haben, außer jemand, der überhaupt kein Interesse an dem Giotto hat. Aber Berger et al. * Gehen noch einen Schritt weiter: Wir müssen die Tatsache, dass wir Kunstwerken begegnen, anders nutzen, um das Privileg der herrschenden Klasse und die "spezialisierten Experten, die die Nostalgie einer herrschenden Klasse im Niedergang sind", zu untergraben. Das ist auf Seite 32. Ein Teil von mir, ein großer Teil, beklagt die Tatsache, dass Sie das heute nie veröffentlichen würden, nicht einmal auf einer Website. Ein anderer Teil von mir beklagt die Dummheit von Intellektuellen, die auf die inhärente Güte des Volkes vertrauen. The People hat keine gute Erfolgsbilanz, wenn es um die Wertschätzung von Kunst geht. Das heißt nicht, dass die Menschen nicht lernen können, Kunst zu schätzen, nur dass wir nicht besser und nicht schlechter sind als die herrschende Klasse. Wir müssen lernen, wir müssen unterrichtet werden, das können Sie nicht, wenn Sie davon ausgehen, dass wir von Natur aus in der Lage sind, das Richtige zu tun.

2 & 3: Frauen werden anders dargestellt als Männer, und ehrlich gesagt nicht auf eine Weise, die für irgendjemanden gesund ist, aber insbesondere nicht für Frauen. Genau. Was es atemberaubend macht zu sehen, dass die Autoren absichtlich absichtlich so viele Dinge falsch machen (den Bibelvers abkürzen, in dem Gott Eva * und Adam * bestraft); dumm (nicht-westliche Kunstformen zeigen Frauen als aktive Teilnehmerinnen am Sex, das ist also moralisch nicht zweifelhaft); oder auf eine Art und Weise, die zeitlich gebunden ist ("Haare sind mit sexueller Kraft verbunden, mit Leidenschaft." Siebziger!).

5: Ölgemälde sind bürgerlich und im Allgemeinen moralisch nicht in Ordnung. Holbeins 'Botschafter' wird als Beispiel dafür gelesen; Der unglaublich verzerrte Schädel des Gemäldes ist die Ausnahme, die die Regel von Ölgemälden beweist, anstatt zu zeigen, dass Ölgemälde selbstkritisch sein können, ebenso wie die meisten guten Kunstwerke jeglicher Art. Im Allgemeinen ist die Lehre aus diesem Buch, dass alle Kunst schlecht für Sie ist, mit Ausnahme der Stücke, die die Autoren dieses Buches mögen. Sie mögen Stücke von Künstlern, die plausibel in Radikale verwandelt werden können, weil nur Radikale interessant sein können (Franz Hals; William Blake). Sie diskutieren überhaupt nicht über das 20. Jahrhundert (ich weiß, dass sie wissen, dass es Kunst des XNUMX. Jahrhunderts gibt; vielleicht mögen sie als gute Benjamin-Marxisten keine Abstraktion oder Schwierigkeit). Sie fühlen sich auch mit religiöser Kunst sehr unwohl und möchten z. B. Ambrosius Bensons Mary Magdalene mit der absurden und / oder pornografischen Magdalene späterer Zeiten zusammenfassen, anstatt die ziemlich offensichtlichen Unterschiede zuzugeben (Bensons ist reich, aber nicht, wie kann Ich habe das ... nackt und zerzaust ausgedrückt.) Da es den Autoren schwer fällt zu sagen, was sie wirklich mögen (im Vergleich zu dem, was sie für bedrückend halten), gibt es solche Redewendungen: Rembrandts berühmtes spätes Porträt zeigt einen Mann, für den "alle" ist gegangen, außer einem Sinn für die Frage der Existenz, der Existenz als Frage. " Ein kleiner Gedanke würde zeigen, dass dies die Art von konservativem Pablum ist, das große Künstler seit Generationen anbieten.

6 & 7: In der Werbung wird Kunst verwendet, um Sie glauben zu lassen, dass Sie Dinge wollen, die Sie nicht wollen, und dass Sie sie bekommen können. Sie müssen also nicht darüber nachdenken, was Sie wirklich wollen, z. B. mehr Zeit außerhalb des Büros. Das ist wahr.

Zusammenfassend: Ich war begeistert von der Idee, dass dies ein Buch über das Verständnis von Kunst ist. Es ist nicht. Es ist eine kritische Theorie für High-School-Leser. Gut für das, was es ist, aber extrem eng gefasst und ziemlich schädlich für jeden, der es ganz schluckt, anstatt sich ein paar Minuten Zeit zu nehmen, um sich über seine Annahmen Gedanken zu machen. Schädlich, weil diejenigen, die es akzeptieren, dumme Dinge sagen und weil diejenigen, die es lesen und ablehnen (aufgrund der Rhetorik, der schlechten Argumente oder der konzeptuellen Verwirrung), nicht herausgefordert werden, sich um andere Menschen zu kümmern .


* Humorvoller Aspekt dieses Buches: Es macht eine große Sache darüber, wie es von einer Gruppe von Menschen geschrieben wurde, weil, wie Sie wissen, Einzelpersonen schlecht und Gruppen gut sind. Sie werden feststellen, dass das Buch von John Berger als Buch verkauft wird. Sie können die Schlussfolgerung ziehen.

Sichtweise, John Berger

Ways of Seeing ist eine Fernsehserie von 1972 mit 30-minütigen Filmen, die hauptsächlich vom Schriftsteller John Berger und dem Produzenten Mike Dibb gedreht wurde. Es wurde im Januar 1972 auf BBC Two ausgestrahlt und in ein gleichnamiges Buch umgewandelt. Das Buch Ways of Seeing wurde von Berger und Dibb zusammen mit Sven Blomberg, Chris Fox und Richard Hollis geschrieben. Das Buch besteht aus sieben nummerierten Aufsätzen: vier mit Wörtern und Bildern; und drei Aufsätze, in denen nur Bilder verwendet werden.

عنوانها: شیوه های نگریستن ؛ شیوه های دیدن ؛ شیوه های نگاه ؛ نویسنده: جان برگر (جان برجر) ؛ نشاریخ نخستین خوانش: از روز ششم ماه فوریه تا روز دوم ماه مارس سال 2013 میلادی

عنوان: شیوه های نگریستن ؛ نویسنده: جان برگر (جان برجر) ؛ مترجم: غلامحسین فتح الله نوری ؛ 1388ان ، ویژه نگار ، 77 ؛ در 9789649461748 ص ، مصور ، شابک 20 ؛ موضوع: ادراک بصری ، فن ، هنر ز از نویسندگان سده XNUMX م

عنوان: شیوه های نگاه ؛ نویسنده: جان برگر (جان برجر) ؛ مترجم: محمد هوشمند ویژه ؛ 1390ان ، بهجت ، 160 ؛ در 9789642763528 ص ، ، مصور ، رنگی XNUMXابک XNUMX ؛

عنوان: شیوه های دیدن ؛ نویسنده: جان برگر (جان برجر) ؛ مترجم: زیبا مغربی ؛ 1393ان ، شورآفرین ، 122 ؛ در 9786006955278 ص ، مصور مصور ، رنگی XNUMXابک XNUMX ؛

جان برگر در «راه‌های دیدن» می‌گویند «مردان به زنان می‌نگرند و زنان به خود نگنگه این روزها ، دیگر برای دوربین‌هاآسآس زنان آمریکایی تلاشش شربیانی

Zunächst ist das gesamte Buch fett gedruckt. Ich weiß nicht, welcher verrückte Verrückte das durch das Tor bei Penguin gelassen hat, aber ich hatte nur das Gefühl, ich musste sofort darauf hinweisen. Es lohnt sich immer noch zu lesen.

4 Aufsätze und 3 Bildaufsätze. Wirklich interessante Dinge, die etwas von dem Mist wegschneiden, der mit unserer Wertschätzung für Kunst verbunden ist. Es scheint, als ob Museen viele Dinge falsch und richtig machen.

Das Kapitel über Ölmalerei war besonders interessant, aber es war das letzte über Werbung (oder "Werbung", wie es in diesem Buch ausschließlich erwähnt wird), das mich zum Nachdenken bringt. Für Werbung müssen Sie nicht nur dieses Hemd, sondern auch dieses Auto wollen. Die gesamte Branche muss sich bemühen, den Umfang Ihrer Wünsche einzuschränken, um Sie für die Kultur zugänglich zu machen. Die Denkweise muss immer eine Zukunft sein, besser, die Sie durch wichtige Einkäufe erreicht haben. Der Aufsatz ist schrecklich genug, bis Sie feststellen, dass er dreißig Jahre alt ist, und dies ist nur noch eine Facette eines Geschäfts, das viel heimtückischer geworden ist. Die gezeigten Anzeigen sind in ihrem direkten Verkauf fast kurios.

Dies war eine großartige Einführung in die Arbeit von John Berger, und meine Zweifel, dass dies zu etwas ziemlich Langweiligem werden würde, wurden schnell weggeblasen. Seine Herangehensweise an Kunst ist nicht allzu komplex, daher muss man kein kultureller Fan dieses Themas sein, aber es ist theoretisch tiefgreifend, um die alte graue Substanz herauszufordern und zu stimulieren. Ways of Seeing bietet nicht nur eine Idee, sondern auch eine Einladung, die Welt anders zu sehen und zu kennen. Da die TV-Serie 1972 (vier Jahre vor meiner Geburt) ausgestrahlt wurde, werde ich mich wahrscheinlich an YouTube wenden und versuchen, ein oder zwei Folgen zu sehen, und finde es hoffentlich so faszinierend wie dieses Buch. Bravo John!

Wenn Sie solche Sachen mögen, Sie können die vollständige Rezension lesen.

"Sehen kommt vor Worten:" Wege des Sehens "von John Berger" Aber weil es dennoch "ein Kunstwerk" ist - und Kunst als größer als Handel angesehen wird - soll sein Marktpreis ein Spiegelbild seines Geistigen sein Der Wert eines Objekts im Unterschied zu einer Botschaft oder einem Beispiel kann nur durch Magie oder Religion erklärt werden. “

In "Ways of Seeing" von John Berger

„Originalgemälde sind still und immer noch in einem Sinne, wie es Informationen niemals sind. Selbst eine an einer Wand hängende Reproduktion ist in dieser Hinsicht nicht vergleichbar, da im Original die Stille und Stille das eigentliche Material, die Farbe, durchdringt, in der man den Spuren der unmittelbaren Gesten des Malers folgt. Dies hat zur Folge, dass die zeitliche Distanz zwischen dem Bild des Bildes und dem eigenen Blick darauf geschlossen wird. In diesem besonderen Sinne sind alle Gemälde zeitgemäß. “

In "Ways of Seeing" von John Berger

Ich finde es seltsam, wenn mir jemand sagt, dass er an einen bestimmten Maler gebunden ist und dieser fragliche Maler ein Genie ist; Die Definition von "Genie" ist ziemlich weit gefasst, so dass die Definition einer Person möglicherweise nicht die einer anderen Person ist. Ich habe meine Argumentation nicht vollständig formuliert und nicht genau festgelegt, was mich nervt. Ich denke im Wesentlichen, dass das Problem darin besteht, dass ich dem Fortschritt „Genie“ in anderen Bereichen menschlicher Bestrebungen wie Wissenschaft, Musik oder Literatur beimesse. Vorwärts in neue Grenzen drängen; zur Problemlösung, zur Weltpräsentation. Ich nehme an, der Kubismus könnte diese Kriterien erfüllen, aber viele von Picassos Arbeiten scheinen rein von bestehenden Kunstwerken und Künstlern (z. B. Duchamp, Cezanne, Matisse und insbesondere afrikanischer Kunst und Kinderkunst) abgeleitet zu sein, und er arbeitete rückwärts in Flachheit, Primitivismus und Naivität. Er war sicherlich innovativ und gut darin, verschiedene visuelle Reize zu neuen Kombinationen zu sehen und zusammenzuführen.

Wenn Sie sich besonders für Kunst und Malerei interessieren, können Sie den Rest der Rezension an anderer Stelle lesen.

Wenn Sie wirklich ungeduldig sind, können Sie gehen und sehen Trevors brillante Bewertung für dieses Buch. Andernfalls können Sie einige Wochen auf meine warten - ich denke nicht, dass es fair wäre, das Buch zu lesen, ohne den Dokumentarfilm zu sehen.

2007 schrieb: Dieses Buch, das auf einer Fernsehserie basiert, untersucht, wie die Kunstwelt von heute entstanden ist, indem untersucht wird, was Kunst für Menschen in der Vergangenheit war. Die vorgestellten Theorien sind sehr interessant und enthalten Bildreferenzen, die sehr gut dazu dienen, Punkte zu beweisen. Ein interessantes Kapitel befasst sich ausschließlich mit dem 'Akt' in Kunstüberstunden. Im Laufe der Zeit wurde es beschimpft, widerrufen, kopiert, zensiert, versteckt, gehortet und abstrahiert. Ein weiteres großes Kapitel befasst sich mit dem Kontext, in dem Menschen Kunst sehen, im Gegensatz dazu, wie sie vom Künstler gesehen werden sollten. Viele Stücke sind als einzigartige Wanddekorationen bemalt, hängen aber jetzt in Museen neben hundert anderen dieser Dekorationen. Überstunden-Leute sehen Kunst jetzt online oder in Videoabschnitten, in denen ein Regisseur die Augen des Betrachters so steuert, wie sie durch Kameratricks und Erzählungen zu sehen sind. In diesem Kapitel wird überlegt und erraten, wie sich dies im Laufe der Zeit in ein Kunsterlebnis verwandeln kann. Wechsel von Unterhaltung zu einem wissenschaftlicheren Fach. Eine sehr interessante Lektüre.

Obwohl dieses Buch ursprünglich 1972 geschrieben wurde, ist es für den Leser bis heute relevant, insbesondere für die Aufsätze, die sich mit der Sichtweise von Frauen in der Gesellschaft befassen. Es besteht aus sieben Essys, vier verwendeten Wörtern und Bildern, drei nur Bildern. Es wird diskutiert, wie Frauen in der Gesellschaft gesehen werden, wobei der Schwerpunkt und die Konzentration auf die europäische oder westliche Kultur liegen. Die Bilder stammen aus Anzeigen und berühmten europäischen Gemälden. Da ich den ganzen Tag in einem Museum arbeite und Gemälde sehe, interessiert mich dieser Aspekt besonders.

Grundsätzlich heißt es in dem Buch, dass in unserer europäischen Kultur Frauen Objekte sind, Männer Subjekte. Männerbefragung, Frauenbefragung. Da Frauen in unserer Gesellschaft immer präsent sind, passen sie ihr Verhalten an, um unserer von Männern dominierten Gesellschaft zu gefallen und sich ihr anzupassen.

Ich beziehe mich in meinen persönlichen Schriften oft auf dieses Buch. Was Herr Berger geschrieben hat, hat heute noch Wert. Tatsächlich hat sich für Frauen in vielerlei Hinsicht nicht viel geändert. Wir in den USA und Westeuropa sind etwas besser dran, weil wir arbeiten, Geld verdienen und gesetzliche Rechte haben können, aber das gilt nicht für Frauen im Rest der Welt. Das Leben in einer demokratischen oder säkularen Gesellschaft gibt Frauen mehr Kontrolle über ihr Leben als Diktaturen und Theokratien. Aber auch in den Vereinigten Staaten basieren unsere Handlungen als Frauen und Männer auf sozialen Konstrukten und den Definitionen der Gesellschaft, wie sich Männer und Frauen zueinander verhalten sollten. Sogar wie Frauen sehen und miteinander interagieren, bis zu dem Punkt, dass Frauen sehr wettbewerbsfähig, eifersüchtig und rachsüchtig sind, um einen Mann zu bekommen oder zu behalten. Aber das ist eine andere Geschichte zur Diskussion in den Aufsätzen, die ich geschrieben habe.

In der obersten Etage des Strand Bookstore in New York sah ich einen selbstbewusst gelangweilten Arbeiter, der mit seiner Mutter ein Kind mit seiner Mutter zum Kunsttisch zeigte. Der Arbeiter sagte: "Nun, du brauchst das und das und das" und mir wurde klar, dass das Kind in der Kunstschule sein muss und der Arbeiter vor kurzem seinen Abschluss gemacht haben muss. Der Arbeiter sagte: "Hast du Ways of Seeing gelesen? Von John Berger?" und wollte geeky Begeisterung haben, hielt aber ihre Augen halb geschlossen und hob das Buch nur zwei Zentimeter. Der Junge sagte: "Nein, was ist das?" und versuchen, sich nicht darum zu kümmern. Der Arbeiter meinte völlig monoton: "Nun, es ist wirklich erstaunlich. Das muss man lesen. Jeder liest es. Wie auch immer, es ist großartig." Dann gingen sie weg und ich nahm es auf, weil ich gerne zur Kunstschule gehen, 1,000 Techniken lernen und geistig erfüllt, freundlich, verheiratet, eine großartige Köchin werden und Blumen usw. verstehen und informative lebensbejahende Web-Shorts machen möchte sind nicht irrelevant. In der Buchhandlung war Ways of Seeing langweilig, aber ich entschied, dass es meine Schuld war. Monate später fand ich es in einer Bibliothek in Santa Cruz, Kalifornien. Es ist ohne Grund fett gedruckt. Ich denke es ist interessant. Bei Ölgemälden ging es damals um auffälligen Konsum. Nur Frauen sind sich bewusst, was sie der Welt in Bezug auf das Aussehen präsentieren. Das Fetischisieren der Vergangenheit hilft Aristokraten, Aristokraten zu bleiben. Kapitalisten machten Kunst zu einer Ware. Dies ist anscheinend alles aus einem BBC-Special, das meiner Meinung nach interessanter ist. An einem bestimmten Punkt in Ihrem Leben wird dies Ihren Verstand umhauen, aber wenn Sie in Ihrem Herzen wissen, dass wir eines Tages alle Edelstahlküchen hassen und wie "ugh, so altmodisch, barf" sein werden, werden Sie wahrscheinlich wie "yeah, das war okay. "

Ich gebe zu, dass ich mich mit Kunstgeschichte und -theorie nicht auskenne. Das mag ein Grund sein, warum mich dieses Buch so tief berührt hat, aber ich war wirklich beeindruckt von diesen Aufsätzen. Sie sind scharf. Sie sind gut strukturiert. Und sie haben mich wirklich zum Nachdenken gebracht. Sie ließen mich Kunst als Zeichen, Symbol, Streit, Prahlerei, Versprechen, Gefängnis betrachten.

Berger ist sehr klar über seinen Zuständigkeitsbereich, was ich sehr schätze. Obwohl er Fotografie, Werbung und Film erwähnt und Kontraste zu Skulptur und östlicher Kunst zeichnet, sind europäische Ölgemälde und damit der Aufstieg des Kapitalismus das eigentliche Thema der Analyse. Es gibt sowohl visuelle als auch schriftliche Aufsätze, und obwohl ich anfangs besorgt war, wie gut ein Aufsatz, der nur durch Bilder erzählt wird, funktionieren würde, war ich schnell überzeugt. Meine bevorzugten schriftlichen Aufsätze befassten sich mit Darstellungen von Frauen und Nacktheit - Berührung von Aussehen, Entscheidungsfreiheit, Sehkraft, Männlichkeit als Norm - und dem letzten Aufsatz über Werbung, den Berger als „Werbung“ bezeichnet - der sich mit Klassismus, Neid, Glamour und Begierde befasst , Materialismus und Ware.

Meine Probleme sind vergleichsweise gering. Das Buch ist komplett fett gedruckt, was seltsam ist. Die Abdeckung ist schrecklich; Wessen Idee war es, die ersten Absätze des Aufsatzes direkt auf das Cover zu kleben?! Die Bilder sind winzig und schwarzweiß und in einigen visuellen Aufsätzen laufen sie über die Falte der Wirbelsäule, wodurch sie fast nicht mehr erkennbar sind. Aber ich denke, meine einzige Kritik am Inhalt selbst ist, dass Berger dazu neigt, einige ziemlich endgültige Erklärungen abzugeben, insbesondere darüber, was „außergewöhnlich“ ist und was nicht. Nehmen Sie diese Aussage von p. 103: „Adriaen Brouwer war der einzige außergewöhnliche Genre-Maler.“ Hmmm. Berger stützt diese Aussage natürlich und erklärt, warum Brouwer anders war als seine Zeitgenossen, aber das macht es nicht mehr als eine als Tatsache präsentierte Meinung, die mich in die falsche Richtung reibt.

Das Beste, was ich über eine Sammlung von Aufsätzen sagen kann, ist, dass es meine Denkweise - meine Sichtweise! - verändert hat, und das trifft zweifellos auf dieses Buch zu. Es gibt Schichten der Kunstkritik, die mir nie in den Sinn gekommen sind, Schichten, die weit über und unter der rein ästhetischen liegen, und ich werde beim nächsten Besuch eines Kunstmuseums über diese Dinge nachdenken. Ich werde Fragen stellen wie: Für wen wurde das gemalt? Wer und was sind die Themen? Wie sehen die Leute mich, den Beobachter, und wie sind sie so angeordnet, dass sie meinen Standpunkt ansprechen oder in Frage stellen? An was für einem Ort wäre das aufgehängt worden, bevor es in dieses Museum gebracht wurde? Und wer hätte es dort angeschaut? Und was hätten sie gehofft, Menschen zu zeigen, die ihr Zuhause, ihre Abtei oder ihr Büro besucht haben, damit sie sich fühlen? Laut Berger ist die Antwort auf die letzte Frage meistens Neid.

Fast lächerlich enttäuschend. Berger hat offensichtlich die besten Absichten, aber seine Analyse ist bestenfalls amateurhaft, im schlimmsten Fall pathetisch reaktionär (fast so weit, dass er zu jammern scheint) und größtenteils von Denkern mit weitaus größerer intellektueller Originalität und Macht als er selbst abgeschnitten.

Für den Anfang scheint er entweder nicht zu wissen oder nicht zugeben zu wollen, dass das, was wir allgemein als "Mainstream-visuelle Kunst" bezeichnen, fast immer direkt mit Reichtum verbunden war, war und höchstwahrscheinlich war; mit Provisionen, Mäzenatentum, wirklich mit menschlichem Handel selbst. Bildende Kunst ist kein reines, "jungfräuliches" Unterfangen, das vom Kapitalismus besudelt wird. Bildende Kunst ist eine kreative Tätigkeit, die in erster Linie eng mit dem Kapitalismus (wirklich vom Reichtum) verbunden ist und von diesem abhängt ... und diesen Reichtum zeigt und bekräftigt.

Sein naiver Ekel gegen die Absprache des modernen Kapitalismus mit der Kunst geht davon aus, dass es eine magische Zeit gab, in der Kunst in einem Vakuum wirtschaftlicher / ideologischer Reinheit existierte, unberührt von der Klarheit, tatsächlich jemanden bezahlen zu müssen, um eine Leinwand herzustellen oder eine Kirchentür zu schnitzen oder etwas zu vergolden . Wenn solche "reine" Kunst überhaupt existiert, liefert Berger buchstäblich keine Beweise dafür: keine Beispiele aus nichtwesteuropäischen, "traditionellen" Kulturen oder sogar Volkskünsten, die möglicherweise darauf hindeuten, dass manche Menschen Kunst für nichts anderes machen als ihr persönliches Vergnügen.

Als ob seine flache Lektüre dieser Themen nicht schlecht genug wäre, macht er dann die äußerst lächerliche Behauptung, dass Porträts von Frauen, Akten usw. uns zeigen, dass alle Frauen überall (und immer nur Frauen) im Wesentlichen geformt sind (wirklich) er meint verzerrt) durch den erotischen Blick männlicher Sehnsucht und Herrschaft. Das ist eine starke Idee. Es ist auch absolut entschädigungsfähig und stinkt nach billiger Psychoanalyse. Schlimmer noch ... es ist eine Theorie, die entwickelt wurde, um die weibliche Erfahrung zu erklären und zu reduzieren, was freilich für die überwiegende Mehrheit der Menschheitsgeschichte grausam unfair war, bis hin zu einer engen Kategorie sexueller Erwartungen.

Hat John Berger jemals eine echte Frau getroffen? Was könnte bigotter sein, was könnte frauenfeindlicher sein, als alle Mitglieder des weiblichen Geschlechts abweisend als einfach durch den männlichen Blick „beschädigt“ zu verallgemeinern, als ob eine einzige winzige Aussage ausreichen würde, um zu behaupten, die volle Gesamtheit der weiblichen Erfahrung zu verstehen und weibliches Leiden im Laufe der Geschichte? Und natürlich sind seine visuellen Beispiele dafür wieder billig von Kirschen gepflückt ... nur ein paar Akte (die freilich erbärmlich anstößig sind). Berger schafft es seltsam, sich in das weibliche Thema der Kunst hineinzuversetzen und sich dabei irgendwie als arroganter Frauenfeind zu präsentieren.

Das Problem mit diesem Buch ist, dass sich unter seiner miesen Pseudoanalyse eine Person befindet, die bereits weiß, wie die Welt so zufrieden ist, dass sie nichts mehr zu entdecken oder sogar wirklich zu demonstrieren hat. Kapitalismus? Oh, es ist ruinierte Kunst. (Es macht nichts aus, uns zu erzählen, wie Kunst aus einer nichtkapitalistischen Kultur aussieht.) Frauen? Oh, die armen Dinger, sie sind so verzerrt von männlichen Erwartungen, dass es ein Wunder ist, dass sie sogar aufstehen können (egal, dass Sie zu keinem Zeitpunkt die tatsächliche Erfahrung einer Frau erzählen). Fotografie? Oh, das ruiniert auch die Kunst, indem Bilder allgegenwärtig gemacht werden (egal, ob man die Fotografie wirklich fair untersucht, um zu sehen, wie sie die moderne Kultur und die moderne Kunst verändert hat). Dieses Buch beweist vor allem eines: die selbstgefällige intellektuelle Selbstgefälligkeit der Person, die es geschrieben hat.

Schauen Sie, die Beziehung zwischen der Geschäftswelt und der sich ständig verändernden Welt des visuellen künstlerischen Strebens ist ein äußerst vielfältiges und kompliziertes Thema, ebenso wie die Beziehung zwischen Kunst und Werbung. Ebenso wie die Beziehung zwischen Geschlechterrollen und visueller Kunst im Laufe der Geschichte. So unterschiedliche Denker wie Susan Sontag, Walter Benjamin, Virginia Woolf, Naomi Klein usw. haben alle elegant und bewegend über diese Themen geschrieben. John Bergers "Ways of Seeing" versucht, solchen Denkern auf den Schultern zu stehen und fällt auf fast jeder Seite ab. Vor allem, weil Berger nur seine eigene Selbstzufriedenheit zu „sehen“ scheint.

"Es gibt mehr als man denkt"
Ich habe kürzlich Kenneth Clarks noch einmal gelesen Zivilisation. Es basiert auf einer britischen Dokumentarfilmserie aus den späten 1960er Jahren. Darin bietet Clark eine sehr eigene, aber immer noch ziemlich klassische Einführung in die Kunst. Das Buch von John Berger (1926-2017) und die dazugehörige TV-Serie (siehe You Tube!) Wurde 1972 veröffentlicht und war der Antipode von Clark. Berger betrachtete die Kunstwerke ganz anders oder richtiger: Er betrachtete die Art und Weise, wie wir "sehen", sehr unterschiedlich.

Zunächst macht er den Leser-Betrachter auf die Welt hinter den Kunstwerken aufmerksam, auf den sozialen Kontext, in dem sie entstanden sind. Es ist eine exquisite Analyse, die er dem Philosophen Walter Benjamin entlehnt. Wenn Sie wissen, dass der niederländische Maler Frans Hals aus dem 17. Jahrhundert in bitterer Armut lebte, als er Gruppenporträts wohlhabender Bürger malte, sehen Sie diese Kunstwerke in der Tat ganz anders. Mit diesem anderen Ansatz hat Berger einige heilige Häuser niedergerissen, insbesondere die traditioneller Kunstkritiker, und ihre Betonung auf das kreative Genie und die Zeitlosigkeit von Kunstwerken. Er wurde heftig dafür kritisiert, aber es muss gesagt werden, dass er selbst auch in dieser Broschüre nicht vor scharfen Polemiken zurückschreckte.

Berger bietet aber noch mehr: Er zeigt auch, dass „Sehen“ in einem bestimmten sozialen Kontext stattfindet. Seine Analyse, wie Frauen berücksichtigen, wie sie gesehen werden (insbesondere von Männern), ist besonders klar und leider immer noch aktuell. Die Art und Weise, wie Werbung unsere visuelle Sprache beeinflusst und manipuliert, wird ebenfalls treffend artikuliert und dargestellt. Berger demonstriert auch die enorme Wirkung neuer Techniken (Reprographie und Kamera zu Bergers Zeiten), indem Kunstwerke unabhängig von ihrem Kontext dauerhaft und überall verfügbar gemacht werden und daher anders gesehen werden als zuvor.

Ich kann mir vorstellen, dass dieses kleine Buch vor 50 Jahren ein echter Augenöffner war (Wortspiel beabsichtigt). Trotzdem kam mir beim Lesen der Eindruck, dass die Arbeit nicht mehr wirklich frisch ist. Vielleicht liegt das daran, dass einige seiner Ansichten inzwischen alltäglich geworden sind. Vielleicht liegt es auch am Layout der Broschüre mit kleinen Schwarzweißabbildungen. Aber wahrscheinlich ist es Bergers eher klassischer marxistischer Diskurs, der ihn etwas veraltet erscheinen lässt: Die Verwendung von Wörtern wie "kapitalistische Ausbeutung der Massen", "Entbehrung" und "Proletariat" im 21. Jahrhundert scheint ziemlich veraltet und sogar berührend. Die Zeiten entwickeln sich schnell und das Sehen auch.

Sehen kommt vor Worten. Das Kind schaut und erkennt, bevor es sprechen kann.
Es gibt aber auch einen anderen Sinn, in dem das Sehen vor den Worten steht. Es ist das Sehen, das unseren Platz in der umgebenden Welt festlegt; Wir erklären diese Welt mit Worten, aber Worte können niemals die Tatsache rückgängig machen, dass wir von ihr umgeben sind. Die Beziehung zwischen dem, was wir sehen und dem, was wir wissen, ist niemals geklärt.

* * *

Werbung ist das Leben dieser Kultur - soweit ohne Werbung der Kapitalismus nicht überleben könnte - und gleichzeitig ist Öffentlichkeit ihr Traum.
Der Kapitalismus überlebt, indem er die Mehrheit, die er ausbeutet, zwingt, ihre eigenen Interessen so eng wie möglich zu definieren. Dies wurde einst durch weitreichende Entbehrungen erreicht. In den Industrieländern wird dies heute erreicht, indem ein falscher Standard für das auferlegt wird, was wünschenswert ist und was nicht.

Wenn du think du magst es, Kunst zu schauen und in Galerien zu gehen - ha - dann musst du dir eine Minute Zeit nehmen, um dieses Gespräch zu lesen und zu hören, das Berger mit dir führen wird.

Link zum Dokumentarfilm (den ich auf jeden Fall empfehlen sollte, um das Lesen des Textes zu ergänzen): https://www.youtube.com/watch?v=0pDE4...

Ich werde später meine ausführliche Überprüfung hinzufügen (da es wirklich eine verdient). Im Moment möchte ich nur sagen, dass Berger uns zum Nachdenken bringt: Er lässt uns über die Auswirkungen von Bildern, ihre Geschichte, ihren Platz in der Gesellschaft und ihre Rolle bei der Förderung kapitalistischer Agenden nachdenken. Er lässt uns über das Bild von Frauen nachdenken, über die Rolle, die sie im System spielen, über den Zustand moderner Galerien und Museen, und vor allem lässt Berger uns über das moderne Foto nachdenken und darüber, was es bedeutet me Als funktionierendes Mitglied der Gesellschaft ist alles sehr aufschlussreich und er entmystifiziert die Kunst auf eine Weise, die theoretisch einfach zu verstehen ist. Sehr marxistisch in seinen Ansichten und seinem Wortschatz (von denen ich weiß, dass sie einige stören werden), aber ich habe diesen Teil genossen, hah.

Ein Buch über grundlegende visuelle Kenntnisse mit 7 Aufsätzen, von denen 3 nur Bilder enthalten. Es ist nicht so, dass er originell ist ... er leiht sich viele Ideen von Walter Benjamin und Claude Levi-Strauss aus, aber er erklärt es in klarer, einfacher Sprache mit Beispielen.

Das Kapitel über Ölgemälde war für mich besonders aufschlussreich, da ich nie verstanden hatte, wie man ein "großes" Ölgemälde von einem mittelmäßigen unterscheidet, ohne einen Kontext, in dem man sie sehen kann. Aber Berger hier zerlegt wirklich die historischen Ursprünge der Form und was Öl Künstlern wirklich erlaubte, was sie vorher nicht konnten.

Hauptausschaltung: Das gesamte Buch ist eingelegt Fettdruck. Ich habe keine Ahnung, warum diese Entscheidung getroffen wurde, aber das Buch ist trotz dieses großen Fehlers lesenswert.

Ein weiterer kleinerer Fehler: Ein Buch über Bilder sollte definitiv in Farbe gedruckt worden sein.

Dies ist ein halbjährliches Ereignis in meinem Leben: Bücher, die ich im College lesen sollte und die ich nicht oder nicht mit großer Sorgfalt gelesen habe, und einige Jahre später erfahre ich, dass dieses Buch hauptsächlich schlägt. Das Projekt von berger, die Frankfurter Schule zu übersetzen, scheint sich besonders zu lohnen, aber es ist auch nur eine lustige und humane Auseinandersetzung mit visueller Kunst

Lesen Sie das Schreiben über das Sehen. Auf jeden Fall einen Einblick in die Frage, wie wir Kunst sehen und lesen können. Trotz seines Alters von fast 50 Jahren hat es immer noch die Macht, das Verständnis zu erweitern. Wie diese Überprüfung endet zu abrupt.

Alles, was ich von dieser Gräueltat eines Buches aufgegriffen habe, ist, dass John Berger eine prätentiöse Fotze ist. Er versteckt sich hinter der Tatsache, dass er angibt, Kunst zu "entmystifizieren", wenn er Ihnen tatsächlich seine Meinung zur Propaganda der Kunst und zur Existenz des Künstlers gibt. Ich muss zuallererst sagen, dass ich sehr an die Autorentheorie und den Zweck des Autors / Künstlers glaube, deshalb bin ich gegen dieses Buch. Berger geht lediglich davon aus, dass alle Kunst nur eine Möglichkeit für die weiße Elite der männlichen Bevölkerung ist, zur Schau zu stellen und sich zu versichern, dass sie den Plebejern überlegen sind. Ich paraphrasiere natürlich, aber dieses Buch untergräbt eindeutig die Absicht des Künstlers. In diesem Buch entwertet Berger den Künstler, indem er sagt, dass ihre Kreationen lediglich ein Werkzeug für die Elite sind, um ihren Reichtum zur Schau zu stellen, wie es von einem Kontextualisten erwartet wird. Er gibt nur den "Meistern" des Mediums Anerkennung. Wen er angibt, hat die durchschnittliche Kunstform übertroffen, indem er die Grenzen der Standard-Auftragskunst (wie Rembrandt, Vermeer usw.) überschritten hat. Berger hat auch das Problem der meisten Kontextualisten, womit ich meine, er versucht, Sinn zu finden oder Sinn genauer zu erfinden, wann immer dies möglich ist. Eines der besten Beispiele dafür ist, als er ein einfaches Viehölgemälde als beschrieb und ich zitiere "Möbel mit vier Beinen in den Augen des Betrachters, die den sozialen Status ihrer Besitzer betonen". Was ehrlich gesagt etwas Wahres sein mag, aber eher ein Beweis für die Verbindung des Besitzers mit der Natur oder die Verbindung des Künstlers oder der Versuch ist, Tiere und Menschen in derselben Komposition zusammenzubringen. Im Wesentlichen sage ich, dass Bergers Buch vielleicht kontextbezogene Kunsthistorikerinnen, Feministinnen und Sozialistinnen anspricht, aber ich denke, es fehlt jede ernsthafte Kritik oder Rezension zur Kunst als Ganzes. Es ist weniger ein Buch darüber, wie man Kunst sieht, als vielmehr eine Möglichkeit, Kunst als Ware für wohlhabende, geschlechtsgetriebene, elitäre Männer zu vereinfachen.

Dieses Buch hat mich wirklich zum Nachdenken über das Betrachten von Kunst gebracht. Insbesondere an die Verbindung zwischen den Ölgemälden der letzten hundert Jahre und Werbebildern hatte ich nie gedacht. Dieses Buch enthält auch einige aufschlussreiche Kritikpunkte an der Verwendung von Akten in der traditionellen Kunst.

"Sehen kommt vor Worten."

Lesemöglichkeiten - - Bedeutung / Analyse. Persönliche Perspektive und Kontext des Schreibens oder Bildes.



Es gibt einen Unterschied zwischen suchen und Sehen Kunst und Literatur. Zum Beispiel, wenn man bei der Untersuchung eines Kunstwerks marxistische Literaturkritik (Ideologie) anwenden würde. Kunst ist im Wesentlichen Propaganda, daher repräsentiert sie eine Aussage / Kritik des Kapitalismus und der sozialen Hierarchie.

Wenn man den Oberflächenwert oder die Fassade der Kunst beobachtet, wird man sich sofort mit ihrer Schönheit und Tiefe verbinden. Was es jedoch in Bezug auf gesellschaftliche Macht und Bezeichnung darstellt, ist von grundlegender Bedeutung für seine Doppeloptik.

(Berger, 1972, S.32) "Kunstkritiker sagen, dass es keine soziale oder kulturelle Bedeutung hat ..." Berger erklärt jedoch, dass der Betrachter offen sein muss alle Aspekte

Die Spannung zwischen den beiden Aspekten [Formalismus und Materialismus] ist akut. Wenn Sie subjektiv bleiben und Ihren Geist für alle möglichen Möglichkeiten öffnen, wird die Mystifizierung eines Kunstwerks enträtselt. Man benutzt tatsächlich die Vergangenheit, um die Gegenwart zu rechtfertigen, denn die Geschichte verändert sich ständig und entwickelt sich weiter.

"Angst vor der Gegenwart führt zur Mystifizierung der Vergangenheit"



Was wir sehen, hängt davon ab, was wir wissen oder woran wir glauben
Die physische Existenz von etwas enthält eine spezifische Konnotation, doch die metaphorische Bedeutung hinter etwas [dh Ikonologie und symbolische Darstellung] ist Teil eines 'Doppeloptik '. Sie können nicht anders, als von der Heuchelei eines solchen scheinheiligen Untertons zu einem reproduzierten Kunstwerk magnetisiert zu werden!

Es gibt ein Kontinuum des Denkens während des Prozesses oder Aktes des Schauens und Sehens eines Bildes, zum Beispiel in Bezug auf Sein und Scheinen. Denn durch das Gesehene geschoben zu werden, wie etwas zu zeigen, anstatt etwas zu sagen (in Worten). Wenn Text zu einem Kunstwerk gehört, kann er das Implizierte verbessern oder veranschaulichen.


Dieses zutiefst zum Nachdenken anregende, philosophische Stück Literatur ist eine faszinierende Erforschung Was wir zu wissen glauben ...

Lesen Sie dies für meine Kompositionsklasse. Es ist eine großartige Lektüre, wenn es zum ersten Mal gelesen wird, da seine Hauptideen hervorstechen, Klarheit haben und (bis zu einem gewissen Grad) überprüft werden. Beim erneuten Lesen werden jedoch die "radikaleren" Ideen eingeführt.

In seinem Aufsatz spricht er die Idee der "Mystifizierung" an. Das ist großartig und alles andere als er entscheidet sich dafür, es nicht zu definieren. Ich musste immer wieder versuchen, eine Definition im Kontext zu finden, was jedoch fehlschlug. Er scheint es viel zu ändern.

Mein Kompositionsprofessor hat einen guten Punkt angesprochen - Berger ist so gegen die Mytifizierung, aber mystifiziert er die Kunst im Aufsatz? Er scheint im Kreis zu sprechen, da einige seiner Ideen nicht klar genug sind.

Es ist eine gute Lektüre, aber eine Folter zu analysieren. Ich denke, es war nicht einmal dazu gedacht, analysiert zu werden.
Trotzdem wirft er interessante Punkte auf, die gelesen werden müssen.

Hervorragend. Eine wunderbare, prägnante, prägnante und markige Diskussion über die Geschichte der Bilder. Wie wir von der Welt des Ölgemäldes zur Welt der Fernsehwerbung kamen. Eine großartige Wahl für alle, die frustriert sind oder von den Künsten verwirrt sind.

Das Buch enthält eine Reihe von Aufsätzen, die sich alle auf Kunst beziehen. Ich habe diese Sammlung gleich nach meiner Rückkehr aus London gelesen - nachdem ich Tage mit Kunstwerken verbracht hatte. Ich hatte eine Million Gedanken über Kunst selbst und Museen und Kunstwerke in Museen. Ich schrieb einige meiner Gedanken auf und stieß dann in dieser aufschlussreichen, schönen Broschüre auf einige der gleichen Ideen. Vielleicht fühle ich mich deshalb so stark für den ersten der Aufsätze.
Trotzdem versuche ich hier, das Wesentliche in einigen Zitaten festzuhalten, die ich für entscheidend halte:

I:
• Ein Bild wurde zu einer Aufzeichnung darüber, wie X Y gesehen hatte.
• Die Art und Weise, wie wir Dinge sehen, hängt davon ab, was wir wissen oder woran wir glauben
• Wenn wir akzeptieren, dass wir diesen Hügel dort sehen können, schlagen wir vor, dass wir von diesem Hügel aus gesehen werden können. Die Gegenseitigkeit des Sehens ist grundlegender als die des gesprochenen Dialogs. Und oft ist der Dialog ein Versuch, dies zu verbalisieren - ein Versuch zu erklären, wie metaphorisch oder wörtlich „man Dinge sieht“ und ein Versuch, herauszufinden, wie „er Dinge sieht“.
• Ein Bild ist ein Anblick, der neu erstellt oder reproduziert wurde. Es ist eine Erscheinung oder eine Reihe von Erscheinungen, die von dem Ort und der Zeit, an dem sie zum ersten Mal erschien und erhalten blieb, losgelöst wurden - für einige Momente oder einige Jahrhunderte. Jedes Bild verkörpert eine Sichtweise.
• Obwohl jedes Bild eine Sichtweise verkörpert, hängt unsere Wahrnehmung oder Wertschätzung eines Bildes auch von unserer eigenen Sichtweise ab.
• Am Ende wird die Kunst der Vergangenheit mystifiziert, weil eine privilegierte Minderheit danach strebt, eine Geschichte zu erfinden, die die Rolle der herrschenden Klassen nachträglich rechtfertigen kann, und eine solche Rechtfertigung kann in modernen Begriffen keinen Sinn mehr ergeben. Und so mystifiziert es unweigerlich.
• Heute sehen wir die Kunst der Vergangenheit so, wie es noch niemand zuvor gesehen hat. Wir nehmen es tatsächlich anders wahr.
• Die Kunst der Vergangenheit existiert nicht mehr so ​​wie früher. Ihre Autorität geht verloren. An seiner Stelle gibt es eine Sprache der Bilder. Was jetzt zählt, ist, wer diese Sprache für welchen Zweck verwendet

III:
• Die Nacktheit einer Frau ist jedoch kein Ausdruck ihrer eigenen Gefühle. es ist ein Zeichen ihrer Unterwerfung unter die Gefühle oder Forderungen des Besitzers.
• Fast alle europäischen Sexualbilder nach der Renaissance sind buchstäblich oder metaphorisch frontal, weil der sexuelle Protagonist der Zuschauer ist, der sie betrachtet.
• Hier und in der europäischen Tradition im Allgemeinen hilft die Konvention, die Haare nicht auf den Körper einer Frau zu malen, zum gleichen Zweck. Haare sind mit sexueller Kraft verbunden, mit Leidenschaft. Die sexuelle Leidenschaft der Frau muss minimiert werden, damit der Zuschauer das Gefühl hat, das Monopol einer solchen Leidenschaft zu haben
• Es ist erwähnenswert, dass in anderen außereuropäischen Traditionen - in der indischen Kunst, der persischen Kunst, der afrikanischen Kunst, der präkolumbianischen Kunst - Nacktheit niemals auf diese Weise auf dem Rücken liegt. Und wenn in diesen Traditionen das Thema einer Arbeit sexuelle Anziehung ist, zeigt sie wahrscheinlich aktive sexuelle Liebe zwischen zwei Menschen, der Frau so aktiv wie der Mann, wobei die Handlungen eines jeden den anderen absorbieren.

V:
• „Was Ölgemälde von jeder anderen Form von Gemälden unterscheidet, ist seine besondere Fähigkeit, die Greifbarkeit, die Textur, den Glanz und die Festigkeit dessen, was es darstellt, wiederzugeben. Es definiert das Reale als das, was Sie in die Hände bekommen können. Obwohl seine gemalten Bilder zweidimensional sind, ist sein Potenzial des Illusionismus weitaus größer als das der Skulptur, denn es kann Objekte vorschlagen, die Farbe, Textur und Temperatur besitzen, einen Raum füllen und implizit die ganze Welt füllen. “
• „Ölgemälde zeigen oft Dinge. Dinge, die in Wirklichkeit käuflich sind. Ein Ding malen und auf eine Leinwand legen zu lassen, ist nicht anders als es zu kaufen und in Ihr Haus zu legen. Wenn Sie ein Gemälde kaufen, kaufen Sie auch das Aussehen der Sache, die es darstellt. “
• „Die Kunst jeder Zeit dient tendenziell den ideologischen Interessen der herrschenden Klasse“
• „Ein solches Gemälde ist eine Demonstration von mehr als der Virtuosität des Künstlers. Es bestätigt den Reichtum und den gewohnten Lebensstil des Besitzers. “
• „Kunstwerke in früheren Traditionen feierten Reichtum. Aber Reichtum war damals ein Symbol einer festen sozialen oder göttlichen Ordnung. Das Ölgemälde feierte eine neue Art von Reichtum - der dynamisch war und seine einzige Sanktion in der höchsten Kaufkraft des Geldes fand. Die Malerei selbst musste also nachweisen können, dass es wünschenswert ist, was Geld kaufen kann. Und die visuelle Wünschbarkeit dessen, was gekauft werden kann, liegt in seiner Greifbarkeit, in der Art und Weise, wie es die Berührung, die Hand des Besitzers belohnt. “
• „Jedes Mal, wenn ein Maler feststellte, dass er mit der begrenzten Rolle der Malerei als Feier des materiellen Eigentums und des damit verbundenen Status unzufrieden war, kämpfte er unweigerlich mit der Sprache seiner eigenen Kunst, wie sie in der Tradition von verstanden wird seine Berufung. "

John Bergers „Ways of Seeing“ war eines der Bücher, die ich lesen musste. Als der schmale Band ankam, war es ein bisschen wie ein Höhepunkt: Die Schrift war in fetten Buchstaben geschrieben, die Fotografien von Gemälden waren in Schwarzweiß, viele davon. Anscheinend ist es aus einer Reihe von Fernsehprogrammen hervorgegangen, die 1972 gezeigt wurden. Es lohnt sich, die Serie auf You Tube zu sehen, und sicherlich lohnender.

http://www.youtube.com/watch?v=LnfB-p...

Ich denke, er ist der Vorläufer der hervorragenden Fernsehkunsthistoriker und -kritiker, die wir heute sehen und die alle auf ihre individuelle Weise Kunstwerke mit einem frischen und originellen Auge präsentieren. Durch diese Tatsache haben ihn seine Nachfolger überholt. Es gibt eine gewisse Trockenheit in Bergers Ansatz in dem Buch; Er folgt einer These und richtet das, was er sieht, auf seine These aus.

Er ist sehr gut darin, die Bilder zu analysieren und uns bewusst zu machen, wie bestimmte Aspekte des Lebens und die Informationen, die wir sammeln, die Art und Weise beeinflussen, wie wir sie betrachten. Er geht auf die Grundlagen ein, was es bedeutet, ein Kunstwerk oder ein Gemälde zu sehen. Seine Stärke liegt darin, sich mit den philosophischen und sozialen Aspekten auseinanderzusetzen, die Bilder mit unseren Emotionen und unserem Leben verbinden.

„Sehen kommt vor Worten. Das Kind schaut und erkennt, bevor es sprechen kann. “

„Es ist das Sehen, das unseren Platz in der umgebenden Welt festigt. ... Wir erklären diese Welt mit Worten. "

Die Beziehung zwischen dem, was wir sehen und dem, was wir wissen, wird nie geklärt. Er gibt ein Beispiel, "Der Schlüssel der Träume" von Magritte, das die Kluft zwischen Worten und Sehen zeigt. Unsere Kenntnis bestimmter grundlegender Tatsachen passt irgendwie nicht zu dem, was wir sehen, wie beim Sonnenuntergang. Ich hatte nicht bewusst darüber nachgedacht, warum die Versetzung zwischen Bild und Wort in Magrittes Gemälden zu mir spricht und warum wir seine Arbeit nicht als die eines Verrückten abtun.

Die andere interessante Beobachtung ist, dass in der Kunst die Perspektive alle wichtig wurde - mit anderen Worten, der Betrachter oder der Schöpfer waren die Hauptfiguren. Dann kam die Kamera und befreite das Bild von Zeit und Raum.

Gemälde seien ein kapitalistisches Konzept. Sie schmückten die Häuser der Reichen, sie zeigten die Opulenz ihrer Innenräume und der Gegenstände, die sie umgaben, die Kleidung, die sie trugen, und ihre Güter. Als es möglich wurde, Gemälde zu reproduzieren, konnte die philosophische Frage gestellt werden, was Malerei an sich ist. Es gibt ein Bild eines Van-Gogh-Gemäldes eines Getreidefeldes mit Vögeln. Wir sind eingeladen, es uns anzusehen und dann die Seite umzublättern und es mit dieser Erklärung zu sehen: "Dies ist das letzte Bild, das Van Gogh gemalt hat, bevor er sich umgebracht hat." Beachten Sie, wie das Wissen, das die Wörter vermitteln, die Art und Weise beeinflusst, wie wir das Gemälde sehen. Ich erinnere mich daran, wie das Leben eines Schriftstellers manchmal die Art und Weise beeinflusst, wie wir sein Buch betrachten, weshalb ich oft zum Roman komme, ohne etwas über den Autor zu wissen.

Im Abschnitt über den Akt beschreibt er, wie die Frau dargestellt wird. Es gibt viele Abbildungen. Die Frau denkt darüber nach, wie sie anderen und letztendlich wie sie Männern erscheint. Sie ist sich des Zuschauers bewusst. Sie wird manchmal mit einem Spiegel gezeigt, einem Symbol der Eitelkeit. In der außereuropäischen Kunst (indisch, persisch, präkolumbianisch) liegt Nacktheit nicht auf dem Rücken. Es gibt eine gegenseitige Anziehungskraft zwischen den Geschlechtern. Berger unterscheidet klar zwischen dem, was es bedeutet, nackt zu sein, ohne Kleidung zu sein, und dem, was es heißt, nackt zu sein, was nur ein Ausstellungsobjekt sein soll. Heutzutage schwingt dies noch stärker mit.

Abschnitt 5 befasst sich mit Objekten in Gemälden.

Der letzte Abschnitt befasst sich mit Werbung. Plakate und Werbematerial werden Gemälden gegenübergestellt, die fast keinen Kommentar benötigen.

„Das Ölgemälde war an diejenigen gerichtet, die mit dem Markt Geld verdienen. Die Werbung richtet sich an diejenigen, die den Markt ausmachen. “

"Alle Werbung", schreibt er, "wirkt auf Angst. Die Summe von allem ist Geld, um Geld zu bekommen, muss man die Angst überwinden. Alternativ ist die Angst, mit der Werbung spielt, die Angst, dass man nichts ist, wenn man nichts hat. “

Versuchen Sie, wie wir könnten, es ist eine Umgebung, der wir nicht entkommen können.

Endlich zog ich diesen "Oldie but Goodie" aus meinem Regal und las ihn. Ich wünschte ich hätte vor Jahren.

Obwohl die Beispiele aus den 1970er Jahren datiert sind, ist ihre These heute vielleicht noch gültiger als damals: Die Ölmalerei entstand, als die westliche Welt in die Ära des Kapitalismus und des Imperialismus eintrat. Die Technik der Perspektive macht den Betrachter zum Zentrum von allem, was er (ja, Virginia, "er") sieht, so wie "westlicher Mann" die Ressourcen der Welt betrachtet. Ölgemälde wurden daher zu einem Vehikel, mit dem der westliche Mensch in realistischen Details genießen konnte, was er besaß. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts hat die Kunst dieses Vertrauen verloren, aber ihr Bastardkind, die Werbung, hat die Sichtweise noch mehr verdreht, indem sie nicht das präsentierte, was bereits im Besitz ist, sondern das, was wir besitzen möchten, und damit dem dient Bedürfnisse des Kapitalismus noch weiter.

Ja, ein paar Spinnweben des Marxismus hängen an der Theorie, aber sie liefert eine zum Nachdenken anregende Analyse der Konvergenz von künstlerischer Technik und sozialem Kontext.

Ich wollte das schon seit Ewigkeiten lesen. War unglaublich informativ und gut geschrieben, diskutierte Ölgemälde, Darstellungen von Frauen und dekonstruierte unsere allgemeine Wahrnehmung von Kunst. Liebte die Bildaufsätze, da ich so etwas noch nie gelesen habe. Der letzte Aufsatz über Werbung, Schilder und Verbraucherwerbung ist wahrscheinlich etwas, das ich in meinem akademischen Leben häufig verwenden werde, und ich bin so froh, ihn gelesen zu haben.

281219: genau der Text, den ich mir als junger Künstler gewünscht hätte ... verdeutlicht auch einige Gründe, die ich nicht mag, zum Beispiel viel Ölgemälde, nicht den "realistischen", "gegenständlichen", der 1900 und der Erfindung von Kameras vorausgeht. Die Darstellung von Objekt, Material, Subjekt usw. ist für mich falsch, illusorisch, ohne Präsenz, wenn es darum geht, was das Gemälde ist und nicht was das Gemälde ist. Ich bevorzuge Abstraktion, Linie, Aquarelle, Grafiken ...

Ich habe dieses Buch in einem AMTRAK-Zug von der Bay Area nach Portland gelesen. Es hat mir die Augen geöffnet :). Einige der Aufsätze sind nur Bilder, Bilder von Gemälden. Das Buch ist etwas älter, für mich zeigt es den Geist seiner Zeit, ich habe einige überraschende Momente genossen. Es hat definitiv meine Zugfahrt durch die Nacht aufgehellt. All dieses marxistische Vokabular ...

Wie der Titel schon sagt, geht es bei "Ways of Seeing" um die Art und Weise, wie wir sehen. Wie unser Geist durch die Gesellschaft geformt wird und wie sich diese Konditionierung auf unsere Wahrnehmung auswirkt und was wir am Ende sehen.

Ich wurde neugierig auf dieses Buch, weil das Cover das Bild eines meiner Lieblingskünstler ist - Magritte. Zweitens hatten sich ein Freund und ich gefragt, warum wir das überhaupt sehen. Ich wollte nichts weiter als dieses Buch mit ihm zu teilen, aber ich kenne die Gründe nicht, warum er es nicht gesehen hat. Also sitzt es wieder in meinem Regal. Komm und nimm es auf.